“A culture of domination is anti-love. It requires violence to sustain itself. To choose love is to go against the prevailing values of the culture. Many people feel unable to love either themselves or others because they do not know what love is.” Bell Hooks (1994)
In the light of the current situation deeply shaped by conflicts and disasters caused by anthropocentric politics, actions and practices, we ask ourselves the question: “What’s love got to do with it?”
In her writings Bell Hooks identifies Love as a blind spot within the human struggle for liberation, from oppression and exploitation. The white male supremacist domination of the planet attributed to love becoming a symptom of weakness, that love has no value. We might have forgotten what love really is or perhaps we’ve never really understood its meaning since it became capitalized and traded as a commodity-chain, sold as desire that can and should be consumed at a fast pace. Love in its true meaning is something that people might feel ashamed to relate with, as an old-fashioned concept, in the same way Tina Turner declined love in her musical success hit in 1984.
Loving is a verb that demands for action and for choice and can become an important tool to decolonize and to demystify systems of oppression. We need to critically question our position within the planet of beings and things. To love is to care for the others. Love is rooted in community, in exchange and democratic choices. In order to recover love we need social changes rooted in new love ethics. The exhibition “What’s love got to do with it?” aims to be an essay and a tribute to new love politics acknowledging caring as a crucial facet of Love for creating, repairing, and empowering our relations with the world.
In ancient times practitioners of alchemy sought the transmutation of matter and the production of an elixir that would induce rejuvenation and cure all diseases, in a time when art, science, and mysticism belonged to the same realm. Although most of alchemy’s claims have been disproved by modern science, we now acknowledge its influence on the development of scientific methods. Through speculative and ‘magical’ practices and narratives, alchemists dreamed of science for the future.
Interstitial Alchemy presents an experiment of practice-based artistic research, that speculates on the healing of aquatic ecosystems, through a process of transmutation of micro pollutants. The transmutation is mediated by a set of objects made from Zeolite clay. Zeolites possess a cage-like molecular structure that enables the selective ‘trapping’ of pollutants and toxins. To optimize this property, the work tests the production of porous and permeable objects, creating micro interstitial spaces, that could contribute to different ecological functions. This work is particularly interested in how an intervention on a microscale can affect broader ecosystems and their territories. In the last years scientists have demonstrated that ecological variability at small spatial scales—often less than a square meter — can have very significant consequences in big territories. So could we perform micro interventions that produce relevant transformations, potentially independent from anti-ecological political and economic and forces?
The installation is composed of three water tanks, connected through a water flow circuit. In the main tank is a set of Zeolite ceramic objects, capable of purifying the water. Behind the main water tank there are two screens representing two different scales of this system. In the other two tanks there is clean water, which the public is invited to contaminate with heavy metals and toxins, performing the role of a pollutant agent. Through this interaction the public is confronted with the negative effects of human actions in local aquatic environments, but also with the possibility of their remediation. While the water is flowing, the objects trap the noxious substances, changing their microstructure and physical appearance.
The design of these objects is inspired by the study of estuary oysters and freshwater pearl mussels – fundamental ecosystem healers capable of filtering dozens of liters of water per day. The species of freshwater pearl mussel Margaritifera margaritifera is currently endangered in the Danube, even though it can live up to 100 years or even more. As many other mollusks, mussels form pearls when a strange particle, bacteria or virus penetrates inside of the shell, by building layers of nacre. In this work, Catarina proposes to explore an ‘alchemic’ transmutation of micro pollutants inspired by oysters and mollusks’ capacity to persist and create beauty out of trauma.
Opening: 1.9.2023, 19h
Exhibition duration: 2.9.- 21.9.2023
Opening hours from 14h to 19h: 2.9, 3.9, 10.9, 11.9
Mo 12.6.2023, 12–15 Uhr Fr 16.6.2023, 19:00 Uhr Sa 17.6.2023, 14–17 Uhr Mo 19.6.2023, 14–17 Uhr Di 20.6.2023, 11–14 Uhr Di 27.6.2023, 15–18 Uhr
WHERE
Mz* Baltazar’s Lab Jägerstraße 52-54 1200 Wien
ABOUT
Seit 2017 realisiert Natalie Deewan im Stadtraum die Reihe der WIENER LEERSTANDSANAGRAMME, zuletzt die TRUE FACTS ARENA aus einem ehemaligen CAFE RESTAURANT (2021, Floridsdorf) oder COOKIE: ARBEITERKIND aus einer BÄCKEREI KONDITOREI (2022, Hernals).
Nun kommt im 20. Bezirk ein elftes Anagramm dazu: die PERMAFURIE, eine immerwütende, vor Zorn schnaubende, anhaltend rasende Rachegöttin, zusammengesetzt aus den Lettern einer aufgelassenen PARFUMERIE im 10. Bezirk, schwingt sich auf die rostrote Fassade einer anderen, ehemaligen Parfumerie im 20. Bezirk, die nun Mz* Baltazar’s Laboratory, ein feministisches Künstlerinnenkollektiv mit Fokus auf Open Source Technologie beherbergt.
Diese verschwundene Parfumerie in der Jägerstraße, die nur mehr am leichten Letternschatten an der Fassade erkennbar ist, ist nun mithilfe ihrer Schwesterparfumerieaus der Favoritenstraße wiederauferstanden, anagrammatisch verwandelt zur PERMAFURIE, mit der besser nicht zu spaßen ist …
Begleitend zur Installation an der Fassade findet im Inneren der ANAGRAMMATISCHE STAMMTISCH statt, wo sich das Publikum in mehreren Workshops mit 36 Spielesets selbst am Fassadenspiel versuchen und in der Kunst des Anagrammierens üben kann.
Weiters werden auch die beiden neuen Postkartenbooklets „Angewandte Literatur: Text am Bau“ und „Pixendorf ist ausbuchstabiert: Gemischter Satz“ sowie 18 Montagevideos bisheriger einschlägiger Projekte im öffentlichen Raum präsentiert.
Since 2017, Natalie Deewan has been mounting the WIENER LEERSTANDSANAGRAMME(= Vienna Vacancy Anagrams) series, all over Vienna. Lately, she realized the TRUE FACTS ARENA from a former CAFE RESTAURANT (2021, in 21st district) and COOKIE: ARBEITERKIND (= working-class child) from BÄCKEREI KONDITOREI ( = baker’s and cake shop, 2022, on a social housing block in 17th district).
Now, there is an eleventh anagram adding to the lot: the permanently furious, raging and snorting hellcat of a fury, the PERMAFURIE, composed from letters of a former PARFUMERIE (= perfumery) in 10th district, will conquer the rust red façade of another former perfumery in 20th district, which now houses Mz* Baltazar’s Laboratory, a feminist artists’ collective with a focus on open source technology.
Some barely visible ghostletters on the façade are the only traces left from the former perfumery in Jägerstraße, which is now rising from the dead with the help of her sister shop in Favoritenstraße, and finds herself transformed into an ever-raging hellcat … you better don’t mess with the PERMAFURIE!
The installation on the façade will be accompanied by the ANAGRAMMATISCHE STAMMTISCH (= Anagrammatic regulars’ table), a façade game consisting of 36 sets, that invites everybody to find their own, new (and better!) solutions and exercise in the anagrammatic art.
Furthermore, two recently published postcard booklets „Angewandte Literatur: Text am Bau“ (= Applied Literature) und „Pixendorf ist ausbuchstabiert: Gemischter Satz“ (= Pixendorf is spelled out) as well as 18 short videos dedicated to similar projects in public space, will be presented.
Natalie Deewan, geboren 1978 in Wien, sucht und findet Sprachliche Lösungen, praktiziert Reine, Reale, Angewandte und Kollektive Literatur im öffentlichen und veröffentlichten Raum und macht design. Zuletzt remontierte sie die Aufschriften geschlossener Geschäfte zu Wiener Leerstandsanagrammen, baute Statistische Skulpturen (Finkenschieber + Melting Plot) und beklebte Bushaltestellen mit codierten Texten von Kindern und Jugendlichen: Neue Wiener Linien – Graffitirecycling & Coded Quotes. Ihr Interesse für Text am Bau zeigt sich auch in der Heterotypia Font Family, die handschriftliche Zeichen aller Art fontifiziert. Seit 2005 leitet sie den Wiener Deewan, ein pakistanisches Curry-Lokal mit pay-as-you-wish-Prinzip, gemeinsam mit Afzaal Deewan. 2021 erschienen vier neue Postkartenbooklets, großteils zu realisierten Projekten im öffentlichen Raum. 2022 erschien das dreisprachige Buch Lucida Console – ein Translatorium Maximum im Klever Verlag. http://heterotypia.net https://vimeo.com/gemischtersatz
ENGLISH VERSION
Natalie Deewan (*1978 in Vienna, Austria) works as artist with signs of different kinds. She is subvertising signs in the urban, rural & virtual space (Vienna vacancy anagrams; Graffiti Recycling & Coded Quotes; Pixendorf is spelled out) & finds Language Solutions all along the way. She is dealing in Pure, Real, Applied & Collective Literature (with a faible for lipograms & montage), Typography (Heterotypia Font Family) & deesign (Statistical Sculptures: Finches’ Abacus + Melting Plot). Since 2005, she runs a curry restaurant (Der Wiener Deewan) on a pay-as-you-wish basis, together with Afzaal Deewan. In 2021, she published four new postcard booklets on projects realized mostly in public space, one year later, her trilingual book Lucida Console – ein Translatorium Maximum was published by Klever Verlag.
In der Ausstellung “Photons received, photons responded” zeigen zwei Künstlerinnen und Naturwissenschaftlerinnen ihre neuen Arbeiten – basierend auf ihrem Austausch und ihrer gemeinsamen Auseinandersetzung mit der solaren Strahlung und den uns umgebenden Strahlungprozessen. Das neugierige Verfolgen der Trajektorien der Photonen sensibilisiert für die Nicht-Linearität und Periodizität der Prozesse. Das künstlerische Auseinandernehmen von physikalisch optischen Gesetzen in der Dunkelkammer, sowie Messung und numerische Modellierung des Strahlungstransfers der Atmosphäre, zeigen dass die Naturgesetze uns immer wieder neu überraschen und verzaubern.
Die elektromagnetische Abstrahlung (also auch das Licht) ausgehend von der solaren Kernschmelze der Sonne, erreicht die Erde und ermöglicht Leben auf unserem Planeten. Diese Strahlung durchdringt und erwärmt unsere Atmosphäre und ermöglicht Photosynthese, treibt unser Wettersystem an und ist für unzählige komplexe Wechselwirkungen verantwortlich. Sogar fossile Energieträger basieren indirekt auf der Kernfusion der Sonne. Von dieser Fülle wird nur ein kleiner Teil wahrgenommen oder genutzt.
Die Künstlerinnen stellen nichts in Aussicht oder erheben Anspruch, sondern bieten einen naturwissenschaftlichen Fokus im künstlerischen Kontext an. Zu sehen sind experimentelle fotografische Arbeiten, eine Klangarbeit, eine performative Intervention, ein künstlerisch system analytischer Forschungstext, eine Lichtinstallation und Plots numerischer Simulationsergebnisse.
*** ENGILSH VERSION
In the exhibition “Photons received, photons responded” two artists and scientists show their latest works – based on their exchange and their joint examination of solar radiation and the radiation processes that surround us. Curiously following the trajectories of the photons sensitizes to the non-linearity and periodicity of the processes. The artistic dismantling of physical-optical laws in the darkroom, as well as measurement and numerical modeling of the radiative transfer of the atmosphere, show that the laws of nature surprise and enchant us again and again.
The electromagnetic radiation (also the light) from the solar core meltdown of the sun reaches the earth and enables life on our planet. This radiation penetrates and warms our atmosphere, enabling photosynthesis, powering our weather system, and responsible for myriad complex interactions. Even fossil fuels are indirectly based on the sun’s nuclear fusion. Only a small part of this abundance is perceived or used.
The artists promise nothing or make any claims, but offer a scientific focus in an artistic context. Experimental photographic works, a sound work, a performative intervention, an artistic-system analytic research text, a light installation and plots of numerical simulation results can be seen.
Celine Struger, Kristin Weissenberger & Patrícia J. Reis
OPENING: 10.3.2023, 19h – 22h
FINISSAGE: 21.04.2023, 19h-22h
EXHIBITION DURATION: 11.3 — 21.4.2023
OPENING HOURS: Every Saturday from 12h – 17h
Mz* Baltazar’s Lab
Jägerstraße 52-56
1200 Wien
Photo credits: Verena Tscherner
Mz* Baltazar’s Lab is proud to announce the first exhibition of our 2023 program focusing on collaborative artist projects between female* identified artists.
Celine Struger, Kristin Weissenberger & Patrícia J. Reis collaborated for the first time in a joint project on the intersection of ceramics and its cultural and feminist background. The artists coming from different backgrounds and practices aim to shed light on the emancipation history of female artists and their exploration of the relationship between ceramics, hacking and other fields of art.
The exhibition will feature the result of a collaboration that was initiated two years ago, highlighting their recent collaborative action at the Donauinsel in Vienna, in which they reclaim public space as a radical attitude towards sustainable and ethical hardware, autonomy, and a DIY approach to ceramic production. Visitors will witness the group’s artwork, including their ceramics produced using traditional techniques, as well as the documentation of their action.
The collaboration journey began with their shared interest in ceramics and their exploration of traditional techniques to resist capitalist production methods. The group furthered their commitment to anti-capitalist practices by incorporating sustainable methods for producing ceramics. They continued their exploration of autonomy by reclaiming and hacking the city infrastructure and questioning the idea of public space and ownership.
The exhibition also aims to showcase feminist hacking as a strategy for emancipation in the art, science, and technology fields. This approach to new materialism promotes emancipation through the agency of materials, and visitors will be able to witness this in action throughout the exhibition.
The exhibition is also the third season of the serie titled Mud-Group, a project initiated by Kristin Weissenberger that revolves around the group’s collaborative and artistic process, using ceramics as their primary medium for exploration. The Mud-Group#3: Who Has Land to Make a Fire? is a project supported and co-financed by the Research PEEK Project Feminist Hacking: Building Circuits as an Artistic Practice, Financed by the FWF – Austrian Science Fund | PEEK (AR580) at the Academy of Fine Arts in Vienna conducted by Stefanie Wuschitz, Patrícia J. Reis and Taguhi Torosyan, who are co-curators in this exhibition.
Mz* Baltazar’s Lab 2023 program is supported by Bundesministerium für Kunst, Kultur, öffentlichen Dienst und Sport (Kunst und Kultur) and the Kulturabteilung der Stadt Wien.
Photo credits: Verena Tscherner
About the artists:
Céline Struger
(*1982, Klagenfurt) beschäftigt sich mit Skulptur und Installation. Ihr Fokus liegt in der Neuverhandlung von Orten, sie befasst sich mit den Themenschwerpunkten Post-Kapitalismus, Ökologie und Mythologie. Struger stellte zuletzt bei She BAM! und in der MQ Art Box (solo) aus. Außerdem war sie an institutionellen Gruppenausstellungen im TEA Tenerife Espacio de las Artes und in Synagoga – Zentrum für zeitgenössische Kunst beteiligt
Kristin Weissenberger
(*1982, Stmk.) widmet sich in ihrer skulptural-installativen Praxis der Frage, wie wir, mit der uns umgebenden Sphäre aus Materie und Organismen, im Austausch stehen. Dabei beschäftigt sie sich vermehrt mit der Überlagerung und Neuverknüpfung sogenannter natürlicher, technischer, digitaler und handwerklicher Prozesse. Ihre Arbeiten wurden zuletzt in der Künstler:innenvereinigung MAERZ ausgestellt, davor führte sie ein Projekt in die Sub-Arktis, wo sie mit „Probe_Particle_Encounter“ eine Installation im Gelände einer Forschungsstation verwirklichte.
Patrícia J. Reis
(*1981, Lisbon) is a media-installation artist whose practice encompasses different formats and media to question and expand human-machine affinities through new materialism and feminist hacking lenses. In her installations she often appeals to the visitor’s sensoriality in an intimate and sensual way, encouraging them to become active participants. Her work was just recently exhibited at the Havana Biennial in Cuba, at the Kunstraum pro art, Hallein and at the Group Show „RGB EXPIRA: 2022“, Castelo e Paço dos Condes, Ourém, Portugal. In 2021 was awarded with the Outstanding Artist Award in Media Art by the Austrian Chancellery for Culture.
Surren und Blitzen am Nachthimmel. Wildes Blätterwerk auf unscharf vorbeiziehendem, feuchtem Waldboden. Nervöse Begegnung am Mammutbaum, gluckerndes Geschwätz mit Truthähnen in der Dämmerung. Lässig frisierte Pferdemähnen, unberechenbare Flugkörper und dröhnend flatternde Rotoren. Gescheckertes Fell wühlt durch Farngestrüpp. Schwirrender Nebel, tropfender Dunst, Baumbart, Unwetter, Licht – gebrochen. Erfundene Dachse, Faden und Spiele.
Critters Chorus, Cycle 1 ist der erste Teil eines laufenden Projekts, das Lisa Truttmann beim Erkunden naturhafter Lebensräume entwickelt. Fragestellungen zum sogenannten “Species Problem” folgend, widmet sie sich den (Un-)Möglichkeiten einer taxonomischen Kategorisierung lebender Organismen aus künstlerischer Perspektive. So entsteht ein fiktionales Ökosystem aus rhythmischer Montage und widerspenstiger Komposition, in der die Arten gegen ihre Einordnung anstimmen.
Die Audio- und Videoaufnahmen sammelte die Künstlerin während Residency Aufenthalten im Süden Estlands (Maajaam Project Space, 2019) und in den Santa Cruz Mountains in Kalifornien (Djerassi Resident Artists Program, 2022). Gefördert durch das Land NOE
Kurzbiografie: Lisa Truttmann (*1983) lebt als Künstlerin und Filmemacherin in Wien. In ihren Arbeiten spürt sie den Strukturen von sozialen, architektonischen und ökologischen Landschaften nach und verknüpft dabei dokumentarische Elemente mit spielerisch inszenierten Versatzstücken. Aktuell beschäftigt sie sich mit der Beziehung zwischen Menschen und Dingen in persönlichen und kollektiven Narrativen. Ihre Bewegtbilder und Installation werden seit 2005 international in Ausstellungen und auf Filmfestivals präsentiert.
FOTO CREDITS: Gerald Roßbacher
English:
Critters Chorus, Cycle 1
2-channel video installation
Opening: Dec. 2, 2022, 7:00 p.m. Duration of the exhibition: Dec. 3 – 16, 2022
Whirring and flashing in the night sky. Wild foliage on a moist forest floor, rapidly passing by. Nervous encounters at a redwood tree, gurgling chatter with turkeys at dusk. Casually coiffed horses, unpredictable flying objects and flapping rotors. Speckled skin scrabbles, covered in lush ferns. Swirling fog, dripping haze, old men’s beard, light – diffracted. Sassy badgers, strings and figures.
Critters Chorus, Cycle 1 is the first part of an ongoing project by Lisa Truttmann, developed while delving into unfamiliar habitats. Lead by questioning the so-called “Species Problem”, she investigates the (im)possibilities of taxonomic categorization of living organisms from an artistic point of view. This way she creates a fictional ecosystem of rhythmic montage and unruly composition, in which the species raise their voices against imposed classification.
Audio and video recordings have been collected during artist residencies in southern Estonia (Maajaam Project Space, 2019) and in the Santa Cruz Mountains in California (Djerassi Resident Artists Program, 2022).
Short biography: Lisa Truttmann (*1983) is an artist and filmmaker based in Vienna, Austria. In her practice she ties documentary elements into staged settings and rhythmic compositions, tracing the structures of social, architectural and ecological landscapes. More recently she is concerned with the relationship between things and people, embedding them in personal and collective narratives. Her moving images and installations have been exhibited and screened internationally since 2005.
Treten Sie ein in das Future Lab Delphi 2.0, das Sie bei Ihren Ängsten, Wünschen und Fragen berät.
Unser Labor ist ein Ort der Begegnung, des Austauschs, der Entspannung, des Zweifelns und der Kommunikation. Die Phyto-Pythia, unser Pflanzenorakel, erzeugt Ihren persönlichen Orakelspruch, der als Grundlage für Diskussionen über mögliche Zukunftsszenarien dient.
ENGLISH
Step into the Future Lab Delphi 2.0 advising you on your fears, wishes and questions.
Our Lab welcomes everyone and serves as a space for connecting, interacting, relaxing, doubting and sharing.
The Phyto-Pythia, our plant oracle, generates your personal oracle spell serving as the basis for discussions about possible future scenarios.
The bathtub is a means of transport of liminality. Here, media-, book- and magazine- worlds merge with our inner conversations and fantasy. Thoughts and worlds pass lucidly by while we navigate our presence into transcendence with ease in the bathtub. The submersion not least as a symbol of the little death. The uncertain letting go – breathless – and the emergence from the water as the resurrection not from ashes – and visibly new – but inwardly transcendental. But the option of failure is inevitable. Lying in the bathtub, the protagonist of Tina Kult’s video work negotiates their paralyzed and tired state in a soliloquy. In a supposed manifestation of relaxation, the video installation Power & Sleep questions the effects of the questionable high-performance society and the relationship between time, work and productivity.The face of high pressure from the neoliberal outside world is swimming along with the protagonist. So it only becomes a distorted image of an unfulfilled promise of salvation.
Der Hohe Gerichtshof des Feminismus lädt zum Tribunal gegen das Patriarchat!
Angeklagt sind: die Täter, die Justiz, die Medien, die Gesellschaft.
Sie werden angeklagt für die Untätigkeit, wenn es um Femizid und Gewalt gegen Frauen* geht.
Das Verharmlosen und Bagatellisieren, (“Beziehungstat”), Ausreden Suchen, warum nicht geholfen wurde, das Victim Blaming, aber auch das alltägliche Abwerten und Heruntermachen von Frauen* und Mädchen*.
Denn: Man tötet nicht aus Liebe!
Nieder mit dem Patriarchat!
Ausstellungseröffnung am 8. April 2022 um 19h
und Finissage am 22.April 19h
Mz* Baltazar’s Labratory, Jägerstr. 52-54, 1200 Wien
Der Hohe Gerichtshof des Feminismus erhebt Anklage
Mz* Baltazars Laboratory präsentiert das Tribunal gegen das Patriarchat
Wien – “Ich eröffne heute das Verfahren gegen das Patriarchat!” donnert die “Vorsitzende des Hohen Gerichtshof des Feminismus” vom Richter*innenpult. “Your silence will not protect you” sagte die US-amerikanische Aktivistin und Theoretikerin Audre Lorde. Daher nimmt das feministische Kollektiv Hippocampa – feministische Alltagsoffensive das verdrängte Phänomen Femizid und Gewalt an Frauen*, das in allen Schichten und allen sozialen Gruppen auftritt, trotz aller Tabus zum Ausgangspunkt einer künstlerisch-aktivistischen Arbeit. In dem “Tribunal” werden die Täter, die Justiz, die Medien, die Polizei, die Gesellschaft und die Politik zur Rechenschaft gezogen. Damit erheben die Überlebenden von Femizid und all jene, die brutale Attacken, Übergriffe und physische oder psychische Gewalt von Männern erlebten oder erleben müssen, ihre Stimme. Denn „Männergewalt muss benannt werden. Nicht nur von den Opfern oder solidarischen Frauen. Wir warten noch immer auf die Männer, die sich ebenfalls mit dem Thema beschäftigen und ihren Beitrag leisten. Die Tatsache, das Frauen ungleich mehr Opfer von Gewalt durch Männer sind, sie aber diejenigen sind, die auch noch die Kraft aufwenden müssen, sich dagegen zu wehren und die Problematik sichtbar zu machen, muss ein Ende haben. Denn, schlussendlich ist Männergewalt ein Problem von Männern. Sie müssen endlich ebenfalls ihren Beitrag leisten“, fordert das Kollektiv.
Am 25.3.2022 verzeichnet Österreich den 8. mutmaßlichen Femizid. Ein Femizid ist laut internationaler Definition der Weltgesundheitsorganisation die “vorsätzliche Tötung einer Frau, weil sie eine Frau ist”. Die Täter sind in den allermeisten Fällen der (Ex-)Partner, Bekannte oder Personen aus dem nahen Umfeld. Femizide und andere Formen von Gewalt an Frauen* nehmen in Österreich seit Jahren zu. Jede fünfte Frau* ist in Österreich ab ihrem 15. Lebensjahr körperlicher und/oder sexueller Gewalt ausgesetzt, EU-weit ist sogar jede dritte Frau betroffen. “Es reicht! Mainstream-Medien und Politik schenken dem Thema nach wie vor zu wenig Aufmerksamkeit, und wenn sie es tun, reproduzieren sie viel zu oft patriarchale Muster”, so das Kollektiv. Die Gruppe von Künstlerinnen und Aktivistinnen setzt sich nicht zuletzt aufgrund persönlicher Betroffenheit mit dem Thema auseinander. “Im vergangenen Jahr überlebten zwei von uns schwer verletzt Männergewalt. Das hat uns besonders wütend und betroffen gemacht. Die Ausstellung ist allen Opfern und Überlebenden von Femizid und geschlechtsspezifischer Gewalt gewidmet”.
Das Tribunal wird im Zuge der aktuellen Ausstellung von Mz* Baltazar’s Laboratory präsentiert.
Ausstellungseröffnung ist am 8. April um 19.00 Uhr.
The High Feminist Court invites to the tribunal against patriarchy! Accused are: the perpetrators, the judiciary, the media, the society. They are accused of inaction when it comes to femicide and violence against women*: trivializing and minimizing, keyword “relationship act”, looking for excuses why no help was given, victim blaming, but also the everyday devaluing and belittling of women* and girls*. Because: You don’t kill for love! Down with the patriarchy!
Exhibition opening on April 8, 2022 at 7pm
Finissage 22nd of April at 7pm Mz* Baltazar’s Laboratory, Jägerstr. 52-54, 1200 Vienna.
Friday, March 11th, 7 – 10 p Artist Talk: Sat, March 19th, 4 pm
with Michael Wonnerth-Magnusson
Finissage:
Sat, March 26th, 12 – 4 pm
Öffnungszeiten/Opening hours:
Fri 4 – 7 pm & Sat 12 – 4 pm und nach Voranmeldung and by appointment
Mz* Baltazar‘s Laboratory Jägerstraße 52-54 A – 1200 Vienna
DEUTSCH
Die Ausstellung „Blend Together“ von Janine Schranz und Daniela Zeilinger, die im Rahmen der diesjährigen Foto Wien bei Mz* Baltazar’s Laboratory präsentiert wird, schließt thematisch an die gemeinsame Ausstellung „Passepartout“, die 2021 im hoast in Wien zu sehen war, an. Galt die Aufmerksamkeit im letzten Jahr Prozessen des Auswählens, Croppens und Ausblendens, stehen diesmal Situationen der Transparenz und der Überblendung im Zentrum. Ging es im hoast um Techniken der Inklusion und Exklusion innerhalb einer gegebenen Architektur bzw. innerhalb des Bildfeldes, so wird die Ausstellungssituation bei Mz* Baltazar‘s auf Möglichkeiten der Kommunikation zwischen Innen und Außen, von Kunstwerk zu Kunstwerk, sowie zwischen Realraum und Bildraum befragt.
ENGLISH
The exhibition “Blend Together” by Janine Schranz and Daniela Zeilinger is presented at Mz* Baltazar’s Laboratory and part of this year’s Foto Wien. It thematically continues a joint exhibition called “Passepartout,” which has been on display at hoast in Vienna 2021. While last year’s show focused on processes of selecting, cropping and fading out, the emphasis now is on situations of transparency and blending. While at hoast the focus was on techniques of inclusion and exclusion within a given architecture or within the image field, the exhibition at Mz* Baltazar’s Lab will examine possibilities of communication between inside and outside, from artwork to artwork, and between real space and image space.
Janine Schranz (*1985, Switzerland) is a visual artist and photographer currently living in Vienna (AT). In her practice she explores the (pre-)conditions of photography, its components and interrelations with architecture. Labor conditions, recording processes and the exhibition context play equal roles as working materials. In its essence, she understands photography as a time-based medium and puts bodily-spatial experiences in relation to visual perception and questions forms of (un-)documentation. She studied photography (Zurich University of the Arts, Switzerland) and transdisciplinary arts (University of Applied Arts, Vienna).
Daniela Zeilinger (*Linz/Austria) lives and works in Vienna. She studied fine arts at the Academy of Fine Arts Vienna as well as dance, context, choreography at the UDK Berlin and free art at the Kunsthochschule Berlin Weißensee. The artist works at the interface of different disciplines, especially painting and photography. An ontological reflection upon the space of photographic images is a central motif. Her works, as analogue photographs, are created in a multi-layered process of transformation and translation. They oscillate between image and imagination, and photography and painting. Zeilinger’s works have been presented in numerous solo and group exhibitions in Germany and abroad. In 2020, the artist received the State Scholarship for Artistic Photography.
